18세기에서 19세기에 걸쳐 독일에서 성행한 서사적 내용을 지닌 시 및 그 시에 의한 가곡, 성악곡을 가리키 는 경우와 그 영향을 받아 발생한 표제음악적 또는 성격적인 기악곡, 특히 피아노 독주곡을 가리키는 경우가 있다. 슈베르트의 가곡 '마왕'이나 바그너의 오페라 <방황하는 화란인>에서의 '젠타의 발라드'는 좋은 예가 된다.

베니스의 곤돌라에서 부르는 뱃노래로서, 기악과 성악 모두에 적용되는 이름으로 모두 동일하게 흔들리는 리듬을 갖는다. 기악곡으로서 유명한 예는 쇼팽의 피아노를 위한 <뱃노래>가 있고, 오페라에서는 오펜바흐의 오페라 <호프만이 이야기> 중 '뱃노래'를 들을 수 있다.

남성 성부의 한 종류로서, 테너(Tenor)와 베이스(Bass)의 중간에 있는 목소리를 말한다. 음역은 보통 B~e1이다. 베이스의 깊은 음색과 테너의 화려함을 겸비하고 있다. 오페라에서의 주요한 바리톤의 역할을 보면 <피가로의 결혼>에서의 백작, <마술피리>에서의 파파게노, <세빌리아의 이발사>에서의 피가로, <라 트라비아타>에서의 제르몽, <아이다>에서의 아모나스로, <트리스탄과 이졸데>에서의 쿠르베날, <카르멘>에서의 에스카밀로, <라 보엠>에서의 마르첼로와 <토스카>에서의 스카르피아등이 있다.

1.목소리 중에서 가장 낮은 음역의 남성 성부. 대체로 G1에서 e1까지 부르지만 그 아래까지 부르는 경우도 있다. 베이스는 음색에 따라 바소 세리오(웅장한 베이스), 바소 부포(해학적인 베이스), 바소 칸타테(부드러운 선율에 알맞은 베이스)등으로 나뉘어진다. 오페라에서의 주요한 베이스 역할을 보면, <피가로의 결혼>에서의 피가로, <아이다>에서의 람피스, <트리스탄과 이졸데>에서의 마르크왕등을 들 수 있다.
2.같은 족의 악기중 가장 낮은 음역의 악기를 가리키는 표현

대체로 18세기~19세기 초 이탈리아의 화려하고 아름다운 목소리에 의한 창법을 가리킨다. 또 17세기 중엽 이탈리아의 단순하고 서정적인 창법을 벨 칸토라 하기도 한다. 선율과 가요적인 성격을 중요시한 창법이다. 벨 칸토는 도니제키, 벨리니에 의해 전성기를 구가했다.

건배를 위한 노래. 오페라에서는 베르디의 <라 트라비아타>와 <오텔로> 그리고 마스카니의 <카발레리아 루스티카나>에서 들을 수 있다.

오페라 중의 짧은 노래로서, 평이한 형식을 가지며, 간결한 점이 특징이다. 선율과 반주 모두 기듬에 변화가 없는 것이 많다. 19세기 오페라, 특히 로시니의 오페라에서 자주 볼 수 있으며 오래된 예는 글룩의 경우이다

남성 소프라노 또는 알토의 거세가수. 17~18세기 이탈리아에서는 종교음악이나 오페라 가수로서, 소년기에 거세한 성인 남자를 널리 썼으며, 여성보다도 음역이 넓고 힘찬 이들의 소리를 이용했다. 파리넬리, 세네시노, 벨루티와 같은 카스트라토는 이탈리아 오페라의 중요한 역할을 담당했고 멀리는 헨델의 여러 작품에서도 카스트라토가 중요한 역할을 수행하며 등장했다.

18~19세기의 오페라나 오라토리오에 나타나는, Aria(아리아)보다도 단순한 형식의 독창곡. 프레이즈나 가사의 반복이 없다. 가요적 성격의 기악곡에도 사용된다.

빠른 패시지나 트릴 등에 의해 기교적으로 화려하고 장식된 선율 또는 이를 특기로 하는 가수에서 붙이는 꾸밈말. 18~19세기의 이탈리아 오페라의 아리아 중에서 많이 볼 수 있다. 모차르트의 <마술피리>에서의 밤의 여왕이나 도니제티의 <람메르무어의 루치아>에서의 비운의 여주인공 루치아가 대표적인 경우이다.

여성의 성부중 가장 낮은 음역. 소프라노나 메조 소프라노보다 약 5도 이상이 낮다. 브람스가 이 음성의 어둡고 풍부한 음색을 사용하여 쓴 '알토 랩소디'는 유명하다.

가장 높은 음역을 소화하는 남성의 성부. 16, 17세기의 교회음악. 특히 영국에서 사용되었다. 이 성부를 위 한 작품으로는 퍼셀과 헨델의 작품이 유명하다. 오랫동안 잊혀져 있다가 영국의 위대한 카운터테너 알프레드 델러에 의해 다시금 빛을 보게 되었다.

오페라, 음악회등의 기획자 또는 그 회사

19세기초부터, 보통 큰 작품내에서 한 악장이나 한 부분에 주어지는 악곡양식의 이름이다. 혹은 피아노를 위한 독립적인 곡에도 종종 이 이름이 붙여진다. 슈만은 이 용어를 그의 초기 피아노곡에 자주 사용했으며 브람스는 많은 독립적인 간주곡을 썼다. 오페라의 장과 장 사이에 기악이나 오케스트라에 의해 연주되는 곡도 간주곡이라 불린다. 마스카니의 <카발레리아 루스티카나>, 푸치니의 <마농 레스코>에 등장하는 간주곡은 대표적인 예이다.

반복되는 주제 혹은 특정한 대상, 인물, 감동 및 생각 등을 표시하는 또 다른 음악적 요소. 특별히 바그너의 오페라에서 두드러진 예를 발견하게 된다.

오페라의 대본, 혹은 오라토리오나 무대음악이 아닌 다른 종류의 긴 성악곡의 대사를 말한다. 이것은 또한 그러한 대본이나 대사를 담고 있는 인쇄된 책자를 가리키기도 한다.

소프라노보다 낮은 여성의 성부, 음역은 소프라노와 콘트랄토의 중간이며, 대개 b~e이다. 그러나 바리톤 처럼 소프라노에 가까운것과 콘트랄토에 가까운 것이 있어서 일정하지 않다. 음색도 다양하며, 오페라의 경우에는 그 역할에 따라 달라진다. 모차르트의 <피가로의 결혼>에서의 케루비노, 비제의 <카르멘>에서의 카르멘은 메조 소프라노가 담당하는 대표적인 역할이다

문자 그대로는 작은 오페라라는 뜻이지만 실제로는 희가극 또는 경가극을 의미한다. 극의 진행은 대사 위주이며, 여기에 가창이나 무용이 들어간다. 오늘날과 같은 오페레타의 확립은 19세기 후반, 오펜바흐의 <지옥의 오르페우스>, 요한 슈트라우스 2세의 <박쥐>, <집시남작>, 레하르의 <유쾌한 미망인>등이 대표적 작품이다. 영국에서는, 길버트와 설리번이 오펜바흐의 영향을 받아 일련의 코믹 오페라를 썼는데 이 시리즈는 엄청난 성공을 거두었다.

서곡은 화려한 악곡의 팡파르로써 연극의 시작을 알리는 데서 유래하는데, 곧 어떤 오페라, 오라토리오, 발 레, 연극 혹은 다른 대규모의 작품에 대해 작품의 본 연주가 시작되기 전에 그 내용을 미리 간략히 소개하는 음악을 의미하게 된다. 또한 이 용어는 종종 극음악이나 표제음악인 하나의 독립된 합주음악을 가리키기도하는데, 멘델스존의 <핑갈의 동굴>과 거쉬인의 <쿠바 서곡>같은 작품이 그 예이다. 첫 번째 공식적인 오페라 서곡은 륄리의 프랑스 오페라에서 시작되었는데, 이것은 장려한 리듬의 악구로 시작하고 이어서 주선율 을 모방하는 빠른 악구가 잇따르는 악곡형식을 갖고 있다. 이탈리아식의 서곡은 빠르게-느리게-빠르게의 세 개 악장으로 구성되어 있는데, 1770년대 후반에 알렉산드로 스카를라티에 의해 정립되었다. 프랑스식 서곡과 이탈리아식 서곡은 모두 다른 형식의 음악들에 영향을 주었다. 프랑스식 서곡은 특히 독일 작곡가들에 의하여 기악을 위한 모음곡의 첫 악장으로 사용되었다. 이탈리아식 서곡은 초기의 교향곡에서 빠르게- 느리게-빠르게식의 악장 구성에 사용하였다.

소개를 위한 짧은 곡. 초기의 전주곡들은 류트와 건반악기를 위한 즉흥적인 독주곡이었다. 바흐는 즉흥적인 스타일의 전주곡들을 썼는데, 하나의 음악적 주제에 바탕을 두고 전곡을 통해 이것을 발저시키는 방식을 취했다. 그리고 그는 이것을 엄격한 푸가앞에 두었다. 전주곡은 바로크 시대의 모음곡에서도 발견되는데, 종종 서곡이나 인트라다(도입)의 이름으로 불려졌다. 그 이후의 전주곡들은 쇼팽, 스크랴빈, 라흐마니노프, 거쉬인 등에 의해서 쓰여졌는데, 이 곡들은 비록 낭만적인 스타일과 피아노의 기법으로 쓰여지긴 했지만, 종종 여전히 바흐의 생각, 즉 하나의 테마나 주제를 사용하거나 때때로 조 전체를 한번씩 번갈아 가면서 사용하면서 소개적인 기능이 없는 형식의 악곡기법을 그대로 보유하고 있었다. 드뷔시는 피아노를 위한 두 개의 전주곡집을 썼는데, 각각 독자적인 제목을 갖고 있다. 쇼스타코비치는 피아노를 위한 24개의 전주곡와 푸가 작품집을 작곡하였다. 바그너의 <로엥그린>과 <트리스탄과 이졸데>, 베르디의 <라 트라비아타>에서의 전주곡은 오페라에서 전주곡이 어떤 기능을 하는지를 보여주는 좋은 예이다.

대개는 소프라노가 수행한다. 오페라에서 가장 중요한 역할을 수행하느 여성 배역을 담당하는 가수를 일컫는 말. 동시에 자부심 강하고 변덕스러우며 극도로 민감한 사람을 의미하기도 한다.

노래의 한 형태이거나 기악적인 멜로디로서, 음높이와 리듬이 노래보다는 말하기에 더 적합하게 되어있다. 이것은 일반적으로 독창자에 의해 노래되거나 혹은 낭송되어진다. 레시타티브는 오페라, 오라토리오, 그리고 칸타타 등에서 발견되는데, 행동이나 내용을 이야기할 때에 사용된다. 레시타티브에는 두 가지 종류가 있다. 첫 번째로는 Recitativo semplice(또는 secco=건조). 이 경우는 대사 전달에 주안점을 둔 것으로, 간단한 코드가 연주되거나, 콘티누오 또는 건반악기의 반주에 맞추어 부른다. 두 번째의 것은 Recitativo accompagnato(=반주가 있는)로서 현악 또는 오케스트라 반주에 맞추어 부르게 되는데 오페라나 오라토리오의 절정의 순간에 오케스트라가 극도의 긴장감을 연출하는 가운데 연주된다. 오페라에서 레시타티브는 대개 아리아나 앙상블의 연주로 이어진다.

여성 성부중 가장 높은 성역을 가리키는 말. 또는 그 가수를 의미한다. d1에서 a2까지의 성역을 소화한다. 소프라노는 그 음색이 지닌 느낌에 따라 소프라노 드라마티코(극적인 표현에 알맞은 것), 소프라노 레지에로(가벼운 느낌이 드는 것), 소프라노 스포가토(힘찬 표현에 알맞은 것), 소프라노 아쿠토(섬세한 울림에 알맞은 것), 소프라노 수브레트(음흉하고 요염한 역에 알맞은 것)등으로 나뉜다. 이 밖에 콜로라투라가 있는데, 빠르게 구르는 듯한 곡에 알맞다.

오페라에서 사용되던 용어로서, 흥분과 긴장을 고조시키기 위하여 보조를 빨리 하는 작품의 마지막 부분을 가리키는 말이다. 이것은 때때로 기악곡 작품의 클라이막스에서 사용되기도 한다

높은 성역의 남성 성부를 말한다. 대개 B1에서 b1사이의 음역을 소화한다. 4성부 작법에서는 아래로부터 두 번째 성부를 가리킨다. 테너 목소리에 대응하는 음역의 악기를 말하기도 한다. 이 경우에는 악기 앞에 테너라는 표현을 부가한다.

1728년 런던에서 초연하였다. 장물 매매업자 피참의 딸 풀리는 대도(大盜) 맥히스를 사랑하여 그와 결혼하지만 맥히스는 피참의 밀고로 감옥에 갇힌다. 그는 감옥에서도 간수 로퀴트의 딸 루시의 사랑을 받고 그녀의 도움으로 탈옥에 성공하나 다시 체포되어 사형을 선고받는 등 우여곡절 끝에 사면되어 풀리와 다시 결합한다는 줄거리이다.

영어로는 명확한 개념이 없고 오직 화려하고 규모가 큰 오페라를 말하는 데 불과하다. 프랑스어의 그랑토페라(grand op暴ra)는 비극적인 내용으로 화려한 무대가 전개되는 오페라를 말한다. 19세기 프랑스에 출현하였는데 합창이 중요한 역할을 하고, 발레가 많이 포함되며, 보통 5막(때로는 장면이 더 나누어짐)으로 구성된다.

오페라는 이탈리아에서 발생하고 이탈리아에서 발달하였기 때문에 18세기 중엽까지의 독일오페라는 이탈리아오페라의 완전한 영향권 안에 있었으며, 대개의 경우 독일의 작곡가도 이탈리아오페라의 양식에 따라서 이탈리아어 대본에 의존하여 작곡하였다.

러시아는 18세기 전반 군악과 함께 예술음악을 수입하여 주로 이탈리아인의 지도를 받았기 때문에 G.파이지엘로나 D.치마로자 등의 이탈리아 오페라 양식이 주류를 이루었다. 그러다가 19세기 중엽 러시아 국민악파의 아버지로 불리는 글린카의 출현으로 고유의 민족적 작품을 가지게 되었다.

풍자적인 성격을 띤 희극으로 극중에서 노래와 음악이 연주된다. 대본과 가사는 새로 만들어지지만 곡의 대부분은 당시 유행되고 있던 가요나 오페라 아리아의 멜로디를 사용하였다. 이러한 형식의 대표적인 작품으로는 J.게이의 《거지오페라：The Beggar's Opera》(1728)를 들 수 있다.

가극(歌劇)으로 번역된다. 그러나 오페라는 단순히 음악극이라는 뜻은 아니다. 음악을 주로 한 극이라면 오페레타나 뮤지컬도 있지만, 그것들을 오페라라고 하지는 않는다. 즉 오페라는 다음의 두 가지 조건을 구비해야만 한다. 첫째, 16세기 말에 이탈리아에서 일어난 음악극의 흐름을 따른 것이다

가극장 또는 오페라하우스라고도 한다. 그 건축구성을 보면 무대가 넓고 무대 전면(前面)에는 관현악단석이 있으며 객석은 매우 호화롭다. 또한 극장건물이 넓어서 충분한 연습이 가능하도록 배려되어 있다. 그리고 산하에는 전속가수 ·합창단 ·관현악단 ·발레단을 두고 있는 것이 상례이다.

원래 오페라의 발상지인 유럽 등지에서는 오페라극장 산하에 있는 가수 ·합창단 ·관현악단과 연출 ·미술 ·의상 ·조명 등을 담당하는 스태프로 구성된 조직을 가리킨다.

곧 오페라세리아(正歌劇)의 상대적 호칭으로서 이탈리아어로 쓰여진 가벼운 내용의 희극적인 오페라를 가리킨다. 초기의 베네치아 오페라에서는 막간에 익살스러운 내용의 짧은 연극을 넣고 인테르메초라고 하였는데, 이것이 인기를 얻어 그 뒤 나폴리시대에는 독립된 오페라가 되어 오페라부파로 불렸다. 제재(題材)는 서민적인 일상생활의 유머를 다루고 있다.

오페라 부파(희가극의 하나)에 상대되는 말로 정가극(正歌劇)으로 번역되기도 한다. 오페라 세리아에서는 레치타티보와 아리아를 특히 중시하고 중창이나 합창을 그다지 쓰지 않는다. 그리고 18세기 나폴리파 오페라에서 발전하여 고전파에서 쇠퇴하였다. 반주는 현악합주에 의한 간단한 오케스트라가 맡고, 음악은 독창자의 기교를 극도로 중시했다.

유럽의 전통적 오페라 중에서 희극적 내용을 지닌 것을 통틀어 일컫는다. 이와 같은 희가극은 나라에 따라 그 명칭이 달라 이탈리아의 오페라 부파, 프랑스의 오페라 부파 ·오페라 코믹, 독일의 징슈필, 영국의 발라드 오페라나 라이트 오페라 등이 코믹 오페라에 속한다.

연속방송극·연속드라마라고도 하며, 각각 라디오 연속극ㆍ텔레비전 연속극 등으로 구분하고, 방송 형태에 따라 일일연속극ㆍ월화연속극ㆍ수목연속극ㆍ주말연속극 등으로 부른다. 또 미국에서는 주부 취향의 라디오·텔레비전 연속극을 주로 비누 회사가 스폰서였다는 데서 연속극을 ‘솝 오페라'라고 한다.

프랑스의 추리작가 가스통 르루(Gaston Leroux)가 1910년에 발표한 소설을 영국의 작곡가 앤드루 L. 웨버(Andrew L. Webber)가 뮤지컬로 만든 작품이다. 1986년 10월 런던에서 초연되었다. 고전적 선율에 의지하여 극 전체의 구성을 오페라의 형태로 끌어가는 오페레타(Operetta) 형식이다.

복수는 opera, 작품번호를 나타낼 때는 op.로 약하는 일이 많다. 헨델, 하이든, 모차르트의 작품에도 op.를 붙인 것이 있으나 op.가 작곡가의 창작상의 발전단계를 나타낸다 해서 중요시되기 시작한 것은 베토벤 이후부터이다. 그러나 op.가 작품의 출판 순서를 나타낸 작곡 순서와 일치하지 않는 때도 있다.

희극적인 요소를 포함하는 가극을 모두 일컫는 말로, 여기에 포함되는 종류는 오페레타(operetta)·보드빌(vaudeville)·이탈리아의 오페라 부파(opera buffa)·프랑스의 오페라 코미크(opera comic)·독일의 징슈필(singspiel)·영국의 발라드 오페라(ballade opera)등이 있다.